Honey from a winter stone è uscito nel 2025. È più di un album di jazz. C’è qualcosa di cameristico, qualcosa di elettronico, una voce che improvvisa senza sembrare fuori posto. Quello che mi ha colpito è l’eclettismo — la capacità di stare in generi diversi al tempo stesso, con naturalezza. Non capita spesso.

Il titolo, Miele da una pietra d’inverno, esprime bellezza da dove non te la aspetti.

Da sentire anche il suo ultimo album con Bill Frisell e Herlin Riley.

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© 2026 Alfonso Fuggetta & Sonia Montegiove. Salvo diversa indicazione, tutti i contenuti di questa pubblicazione sono protetti da copyright e rilasciati con licenza CC BY-NC-ND 4.0: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.it

• Frank Zappa – chitarra, voce

• George Duke – tastiere, voce

• Napoleon Murphy Brock – sassofono tenore, voce

• Tom Fowler – basso

• Bruce Fowler – trombone

• Ruth Underwood – percussioni

• Ralph Humphrey e Chester Thompson – batteria

L’album contiene il medley “Echidna’s Arf (Of You)” / “Don’t You Ever Wash That Thing?”, che è diventato uno dei momenti più iconici del live di Zappa. La sinergia tra i due batteristi Humphrey e Thompson, insieme alle percussioni virtuosistiche di Ruth Underwood, creò una sezione ritmica di rara densità e complessità.

Certamente, un riferimento di quegli anni rimane anche Zappa in New York, con tanti pezzi unici e un altro gruppo di musicisti incredibili:

• Frank Zappa – chitarra solista, voce, direttore

• Ray White – chitarra ritmica, voce

• Eddie Jobson – tastiere, violino, voce

• Patrick O’Hearn – basso, voce

• Terry Bozzio – batteria, voce

• Ruth Underwood – percussioni, sintetizzatore

• Dave Samuels – timpani, vibrafono

• Randy Brecker – tromba

• Mike Brecker – sax tenore, flauto

• Lou Marini – sax alto, flauto

• Ronnie Cuber – sax baritono, clarinetto

• Tom Malone – trombone, tromba, ottavino

• Don Pardo – “narrazione sofisticata”

E sono solo due dei molti grandi album nella discografia di Zappa…

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Provate a immaginare cosa potesse aver voluto dire tutto questo per uno che, fino a quel momento, non aveva mai sentito altro se non ciò che passava su Rai 1. Erano album usciti in quei mesi. A pensarci, è incredibile la ricchezza e la densità della produzione musicale di quegli anni.

L’ultimo di questo gruppo era Trilogy, ovviamente il primo album di ELP che ho ascoltato. Rispetto alle precedenti uscite del gruppo, sulla carta risultava un’opera che non costituiva un cambiamento epocale. ELP veniva da tre album incredibili: Emerson, Lake & Palmer, Pictures at an Exhibition, Tarkus. Questo sembrava quasi un passaggio sottotono, meno esplosivo. Eppure ha dei brani che mi ammaliano ancora oggi. Su tutti, “The Endless Enigma”, con lo splendido solo di pianoforte di Emerson. Ma poi come dimenticare la dolcissima “From the Beginning”, l’irruente “Hoedown”, la divertente “The Sheriff” o la vulcanica “Trilogy”?

E così adesso forse è l’album di ELP che ascolto di più, anche se non ha l’esplosività del primo, di Tarkus o di Brain Salad Surgery.

Magico.

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I testi parlano di oppressione, di fede, di solitudine, di resistenza. La musica è un intreccio di blues, folk, reggae, rock, gospel. Harper passa da un brano alla chitarra acustica a un altro, elettrico, di quasi dodici minuti, senza che nulla sembri forzato. La sua Weissenborn — quella chitarra piatta che si suona con lo slide — ha un timbro che non somiglia a nient’altro.

Adesso voglio ascoltare anche tutti gli altri album di una discografia davvero ricca.

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Così cominciai a cercare e trovai A Live One.

Pubblicato nel 1995, è il primo album dal vivo ufficiale della band — due ore e undici minuti, con ogni traccia registrata in un concerto diverso del 1994. Dal vivo, i Phish sono un'altra cosa rispetto allo studio e questo disco ne è la prova. Al centro di tutto c'è Trey Anastasio, chitarrista dal suono inconfondibile e anima della band — con una produzione solista che, da sola, vale l'esplorazione.

Il brano che mi ha catturato — e che, dopo quasi trent’anni, mi prende ancora ogni volta — è You Enjoy Myself. Ventuno minuti. Una composizione che parte con precisione quasi cameristica, accelera, si apre in un’improvvisazione funk tra basso e batteria e si conclude con una sezione vocale collettiva che, a descriverla, sembra assurda, ma ad ascoltarla è ipnotica.

Quella folla sul ciglio della strada in Colorado aveva capito qualcosa che io avrei compreso solo dopo.

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A me piace molto anche perché adoro le melodie composte e ben articolate e questi toni introspettivi. Inoltre, vi suonano due musicisti che si integrano benissimo in questa musica: Paul McCandless (Oregon) e Rainer Brüninghaus, che accompagna Weber in molti dei suoi album. Completa il quadro il batterista Michael Di Pasqua.

Weber è un musicista non conosciuto e non valorizzato come dovrebbe. Ascoltate gli album che citavo più sopra. Tutti. Se non lo conoscete, scoprirete un mondo di suoni e atmosfere uniche.

Magia.

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Lars Danielsson, uno dei più apprezzati bassisti jazz a livello internazionale, ha una produzione ricchissima da esplorare più a fondo.

Questo album, Tarantella, è stato il primo che ho ascoltato e mi ha folgorato.

Gli altri musicisti sono di grandissima qualità, come il trombettista Mathias Eick e il chitarrista John Parricelli; ma farei un grande errore se non citassi anche lo splendido pianista Leszek Mozdzer e il batterista Eric Harland. Insieme costruiscono un suono affascinante e coinvolgente. Mi piace moltissimo.

Ascoltate le melodie che Danielsson crea in “Traveller’s Defense” con violoncello e contrabbasso.

È uno dei tanti album prodotti in Nord Europa, un universo musicale che sta generando una quantità enorme di musica bellissima sia jazz sia per il mio amato prog.

Da ascoltare. Magari ad occhi chiusi.

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In questi giorni sto ascoltando alcuni dei suoi album. Uno mi ha particolarmente colpito: Furthermore (1974).

Per dire quanto sia particolare, il primo brano mi ricorda la seconda facciata di Utopia di Todd Rundgren, quel brano incredibile di trenta minuti intitolato “The Ikon”. Ma quel che segue ha sfumature e accenti molto diversi, nessuno banale, e una ricchezza di suoni e ritmi che mi ha sorpreso davvero.

Per esempio, il secondo brano, “Starbright”, ha un’atmosfera che mi ricorda molto i Love di Forever Changes, anche se qui la melodia è dettata dal piano e non dalle chitarre.

Comunque, da ascoltare.

P.S.: Visto che ci sono e l’ho citato, ascoltate anche l’album dei Love. Bellissimo.

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In realtà, in modi più lirici rispetto a Bitches Brew, mi pare che In A Silent Way sia stato il precursore e l’anello di congiunzione tra mondi diversi, anche nel modo in cui i brani furono composti e mixati.

Quando sento la chitarra di John McLaughlin che apre Shhh/Peaceful, intuisco la sensazione che si provò quando l’album fu pubblicato. La band, incredibile, includeva Miles Davis (tromba), Wayne Shorter (sax soprano), John McLaughlin (chitarra elettrica), Joe Zawinul e Herbie Hancock (tastiere elettriche), Chick Corea (tastiere elettriche in alcune ricostruzioni/crediti), Dave Holland (basso) e Tony Williams (batteria).

In realtà, l’anima che ispirò alcuni passaggi chiave di questo album è Joe Zawinul, che poi incise un altro album altrettanto mitico. Così mi dice Perplexity (e Wikipedia):

Cronologia essenziale

• 1966–1967 circa: Zawinul compone In a Silent Way (insieme ad altri brani come Directions, Early Minor, Orange Lady).

• 18 febbraio 1969: Miles registra l’album In a Silent Way in un’unica session a New York; usa In a Silent Way come materiale per l’apertura/chiusura della seconda facciata, ma lo semplifica e lo rimonta in chiave più “rock” e modale.

• 30 luglio 1969: esce l’album In a Silent Way di Miles Davis, che rende celebre il brano di Zawinul in questa forma ridotta e montata in studio.

• 1970 (rec), maggio 1971 (pubblicazione): Zawinul registra e pubblica il proprio album Zawinul, dove presenta In a Silent Way nella versione più vicina alla sua idea originale, con introduzione e sviluppo melodico completi.

Nel passaggio dalla versione di Miles Davis del 1969 alla successiva rilettura dell’album Zawinul (1971), In a Silent Way si trasforma da paesaggio modale elettrico, costruito per montaggio e sottrazione tematica, in una forma più estesamente composta, in cui Zawinul riporta in primo piano il carattere melodico‑lirico originario del brano.

Ascoltate l’album di Joe Zawinul. E guardate chi ci suonò:

• Joe Zawinul – pianoforte acustico ed elettrico

• Herbie Hancock – piano elettrico

• George Davis – flauto (brani 1–3 e 5)​

• Hubert Laws – flauto (brano 4)​

• Woody Shaw – tromba (brani 1–2, 4–5)

• Jimmy Owens – tromba (brano 3)​

• Earl Turbinton – sax soprano (brani 1–3 e 5)​

• Wayne Shorter – sax soprano (brano 4)

• Miroslav Vitouš – contrabbasso

• Walter Booker – contrabbasso​

• Billy Hart – percussioni

• David Lee – percussioni​

• Joe Chambers – percussioni

• Jack DeJohnette – melodica (brano 3) e percussioni (brano 4)

Alcuni critici sostengono che questo sia di fatto stato il primo album dei Weather Report.

E mentre Miles Davis rivoluzionava il jazz, in quei mesi apparvero Led Zeppelin, Yes, Genesis, King Crimson, Pink Floyd, Gentle Giant, Van der Graaf Generator e il Canterbury Sound; i Beatles avevano già pubblicato tutto e i Rolling Stones sfornavano Let It Bleed e Sticky Fingers. In Italia, “I Quelli” (cioè quattro elementi della futura PFM) incontrano Mauro Pagani (il quinto) e, insieme agli allora sconosciuti Angelo Branduardi e Maurizio Fabrizio, suonano nell’album più commovente che conosca: La buona novella, di Fabrizio De André.

Giusto per citare qualcosa.

Quando dico che quelli furono anni incredibili…

P.S.: Perplexity mi dice che la concezione del jazz modale si deve a George Russell:

• Le basi teoriche vengono soprattutto da George Russell e dal suo libro The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (prima edizione 1953), che introduce un nuovo modo di pensare le relazioni tra accordi e scale (modi).

• Russell applica l’idea di usare i modi (in particolare quello lidio) per emanciparsi dall’improvvisazione solo sugli accordi tipica del bebop; queste idee influenzano direttamente Davis e altri.

• Miles Davis è tra i primi a trasformare queste idee in uno stile esecutivo coerente: già in Milestones e poi, in maniera clamorosa, in Kind of Blue, costruisce brani basati su poche aree modali, diventando il principale promotore del jazz modale.

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Il terzo album, Lizard, fu per me uno shock perché è un intreccio di prog e jazz, di sperimentazione dissonante e di incredibile lirismo. Al vocione di Gordon Haskell, si alterna la voce delicata di Jon Anderson degli Yes; al dolcissimo flauto di Mel Collins, il piano jazz-sperimentale di Keith Tippett e i fiati di Mark Charig, Robin Miller, Nick Evans e dello stesso Collins. Il tutto è arricchito dagli intrecci della batteria di Andy McCulloch, oltre alle chitarre e alle tastiere di Fripp.

È forse l’album dei King Crimson che più mi intriga ed appassiona. Forse anche più del primo. Indubbiamente, ogni passaggio della storia di questo gruppo è contraddistinto dal cambiamento, dalla ricerca di nuove sonorità. In questo momento sto ascoltando Larks’ Tongues in Aspic, che ne è un’ulteriore prova.

Poco tempo fa ho scoperto una versione di Lizard che mi ha molto incuriosito: quella di David Singleton, chiamata Elemental Mixes. Oltre ad aggiungere alcuni passaggi musicali tagliati nella versione originale (ad esempio, alcune sequenze al piano di Keith Tippett), il mix ha ridotto la presenza della batteria di McCullock per mettere in primo piano l’intreccio di tutti gli altri strumenti, che costituiscono un tappeto sonoro ricchissimo e che forse non si coglie appieno nel mix originale.

Da ascoltare, sia come album in sé, sia in questa versione così particolare e originale.

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I motivi sono molti. La sua musica fu per me una scoperta. La sua capacità di mescolare jazz e sonorità latine e brasiliane mi sorprese ed emozionò. Al tempo stesso, l’apertura dissonante di Forward March mi lasciò scioccato. La maestosità di End of the Game mi ricordò la mia amata musica progressive. Ma è soprattutto la title track, The First Circle, che non cessa mai di emozionarmi. Non solo per la splendida chitarra acustica di Metheny, ma anche per l’intreccio che riesce a creare con le tastiere di Lyle Mays. In più, questo brano straordinario include un assolo di pianoforte tra i più emozionanti che conosca. Che grande Lyle Mays.

Come per i grandi album, pur avendolo sentito centinaia di volte, quando lo riascolto provo sempre nuove e profonde emozioni. Grandissimo.

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In questo album del 2006, The call, è accompagnata da Michael Bolejack, Gayle Masarie e Deborah Egekvist.

Affascinante.

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Dopo questo splendido album di esordio si sono susseguiti altri meravigliosi lavori come Winter Light e Roots in the Sky.

Grandissimi.

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Da poco è stato pubblicato un fantastico cofanetto (che ho ordinato mesi fa e spero arrivi a giorni) con nuovi remix, versioni inedite, live e un ricco booklet.

Non ci sono album paragonabili a Tales from Topographic Oceans, nemmeno tra gli altri grandissimi del prog e del rock. Per tanti è indulgente, ridondante, il peggio del prog. Rick Wakeman se ne andò dopo il tour successivo alla sua pubblicazione, perché profondamente insoddisfatto (all’epoca). Altri membri del gruppo lo hanno in seguito criticato. Tanta critica lo ha massacrato.

Per me questo album rappresenta il picco raggiunto durante lo straordinario periodo degli anni ‘70. A volte penso che sia il culmine di tutti questi decenni e non credo di esagerare. Mai nessuno ha provato a costruire un’opera così complessa, strutturata, sofisticata. Al tempo stesso, l’album contiene melodie commoventi e mette in luce l’incredibile maestria di tutti e cinque i musicisti, che, ad oggi, credo rimanga “unrivaled” (incluso Alan White, arrivato allora da pochi mesi per sostituire un altro grandissimo, Bill Bruford).

La copertina di Roger Dean è semplicemente stupefacente (secondo alcuni la più bella di sempre). La versione in vinile presenta al suo interno foto e grafiche che offrono un perfetto accompagnamento visivo all’universo sonoro creato dalla band. Ricordo che, quando lo ascoltavo su vinile con l’album aperto davanti a me, avevo la sensazione di essere trasportato in un altro mondo, in un altro universo, una specie di Pandora ante litteram.

L’avrò sentito migliaia di volte. Tanti altri album sono per me emozioni uniche, a partire da Close to the Edge, degli stessi Yes, che su Progarchives è considerato il più grande album prog di sempre.

Ma questo … questo è di un’altra dimensione.

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Questa sezione è per l’appunto dedicata alla musica, ad un album che nella settimana mi è particolarmente piaciuto o che mi è tornato alla mente dal passato. Di solito, ogni sera segnalo su X e su Bluesky "L’album della sera”. Qui provo a dire qualche parola in più, senza assolutamente pensare di fare il critico musicale. Semplicemente segnalo artisti e opere con qualche breve commento.

Comincio con un album di un artista che non conoscevo, pubblicato di recente. Si tratta di One Mississippi di Eric Bibb. È appena uscito ed è stato segnalato come album della settimana su Qobuz. È un misto intrigante di blues, folk e jazz. Ma faccio fatica a classificarlo, ad essere sinceri.

Non conoscevo Eric Bibb e mi sono reso conto che è un artista attivo sulla scena musicale da moltissimo tempo. A conferma che il mondo della musica è immenso e che non basta una vita per esplorarlo.

Questo album mi ha davvero stregato. Perché è un blend di tanti generi e suoni. Intrigante, veramente.

P.S.: Ascoltate anche Jericho Road.

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